Julie Burstein: 4 lecciones de creatividad

En mi escritorio en mi oficina, me quedo una pequeña olla de barro que hice en la universidad. Es raku, que es un tipo de cerámica que se inició en Japón hace siglos como una forma de hacer cuencos para la ceremonia japonesa del té. Este es más de 400 años de antigüedad. Cada uno era pellizcado o tallado en una bola de arcilla, y fueron las imperfecciones que las personas queridas.

Ollas cotidianas como tomar esta copa de ocho a 10 horas para disparar. Acabo de tomar esta fuera del horno la semana pasada, y el propio horno tarda uno o dos días para enfriarse, pero raku es realmente rápido. Usted lo hace fuera, y se toma el horno a la temperatura. En 15 minutos, se pasa a 1.500 grados, y tan pronto como usted ve que el esmalte se ha derretido en el interior, se puede ver que el brillo tenue, convertir el horno apagado, y llegar con estas tenazas largas, agarrar la olla , y en Japón, esta olla al rojo vivo que se sumerge inmediatamente en una solución de té verde, y te puedes imaginar lo que el vapor se huele. Pero aquí en los Estados Unidos, la rampa hasta el drama un poco, y dejamos caer nuestras ollas en aserrín, que se incendia, y se toma un cubo de basura, y lo puso en la parte superior, y el humo comienza a salir. Llegaba a casa con la ropa olían a humo de leña.

Me encanta raku porque me permite jugar con los elementos. Me puede dar forma a una vasija de barro y elegir un esmalte, pero luego tengo que dejarlo ir para que el fuego y el humo, y lo que es maravilloso es las sorpresas que suceden, al igual que este patrón craquelado, porque es muy estresante en estas ollas. Pasan de 1.500 grados a la temperatura ambiente en el espacio de un minuto.

Raku es una maravillosa metáfora para el proceso de la creatividad. Encuentro en tantas cosas que la tensión entre lo que puede controlar y lo que tengo que dejar ir sucede todo el tiempo, si estoy creando un nuevo programa de radio o simplemente en casa negociando con mis hijos adolescentes.

Cuando me senté a escribir un libro acerca de la creatividad, me di cuenta de que los pasos se invirtieron. Tuve que dejar ir al principio, y tuve que sumergirme en las historias de cientos de artistas y escritores, músicos y cineastas, y al escuchar estas historias, me di cuenta de que la creatividad surge de las experiencias cotidianas con más frecuencia que se podría pensar, incluso dejar ir. Se suponía que iba a romper, pero eso está bien. (Risas) (Risas) Eso es parte del dejar ir, es a veces pasa ya veces no es así, porque la creatividad también crece a partir de los lugares rotos.

La mejor manera de aprender algo es a través de historias, y por eso quiero contarles una historia sobre el trabajo y el juego y sobre cuatro aspectos de la vida que debemos adoptar para que nuestra propia creatividad florezca. El primer abrazo es algo que pensamos: “Oh, esto es muy fácil”, pero en realidad es cada vez más difícil, y ese es prestar atención al mundo que nos rodea. Así que muchos artistas hablan sobre la necesidad de estar abiertos, para abrazar la experiencia, y eso es difícil de hacer cuando se tiene un rectángulo iluminado en el bolsillo que tiene toda su atención.

El cineasta Mira Nair habla sobre crecer en un pequeño pueblo de la India. Su nombre es Bhubaneswar, y aquí está una foto de uno de los templos de la ciudad.

Mira Nair: En esta pequeña ciudad, había como 2.000 templos. Jugamos grillo todo el tiempo. Es como que creció en los escombros. Lo principal que me inspiró, que me llevó por este camino, que me hizo un cineasta con el tiempo, viajaba teatro popular que vendría a través de la ciudad y me gustaría ir y ver a estos grandes batallas del bien y del mal por dos personas en un escuela de campo sin apoyos, pero con mucho, usted sabe, la pasión y el hachís, así, y fue increíble. Ya sabes, los cuentos populares de Mahabharata y el Ramayana, los dos libros sagrados, las epopeyas que todo viene de la India, dicen. Después de ver que Jatra, el teatro popular, sabía que quería hacer algo más, ya sabes, y realizar.

Julie Burstein: ¿No es una historia maravillosa? Usted puede ver el tipo de ruptura en la vida cotidiana. Ahí están en los campos de la escuela, pero es bueno y lo malo, y la pasión y el hachís. Y Mira Nair era una chica joven con miles de otras personas viendo este espectáculo, pero ella estaba lista. Ella estaba dispuesta a abrirse a lo que provocó en ella, y eso la llevó, como ella decía, por este camino de convertirse en un cineasta premiado. Así que ser abierto para que la experiencia que puede cambiar usted es lo primero que tenemos que aceptar.

Los artistas también hablan de cómo algunos de sus trabajos más potente que sale de las partes de la vida que son más difíciles. El novelista Richard Ford habla de un desafío infancia que sigue siendo algo que él lucha con la actualidad. Está gravemente disléxico.

Richard Ford: Yo era lento para aprender a leer, fue todo el camino hasta la escuela en realidad no leer más que el mínimo, y aún hoy en día no se puede leer en silencio mucho más rápido de lo que puedo leer en voz alta, pero había un montón de beneficios a ser disléxico para mí, porque cuando por fin lo hizo reconciliarme con lo lento que iba a tener que hacerlo, entonces creo que me vino muy lentamente en la apreciación de todas esas cualidades de la lengua y de las penas que no son sólo los aspectos cognitivos aspectos del lenguaje: las síncopas, los sonidos de las palabras, lo que las palabras se parecen, en los párrafos romper, donde las líneas se rompen. Quiero decir, yo no estaba tan mal disléxico que estaba incapacitado de la lectura. Yo sólo tenía que hacerlo muy despacio, y mientras lo hacía, deteniéndose en aquellas frases como que tenía que quedarse, que heredó las cualidades de otros idiomas, que creo que me ha ayudado a escribir oraciones.

JB: Es tan poderoso. Richard Ford, quien ha ganado el Premio Pulitzer, dice que la dislexia le ayudó a escribir oraciones. Tuvo que aceptar este desafío, y utilizo esta palabra intencionalmente. Él no tenía que superar la dislexia. Tuvo que aprender de ella. Tuvo que aprender a escuchar la música en el lenguaje.

Los artistas también hablan de cómo empujar en contra de los límites de lo que pueden hacer, a veces empujando en lo que no pueden hacer, les ayuda a centrarse en la búsqueda de su propia voz. El escultor Richard Serra habla sobre cómo, como un artista joven, pensó que era pintor, y vivió en Florencia después de la escuela de posgrado. Mientras estaba allí, viajó a Madrid, donde pasó al Museo del Prado para ver esta imagen por el pintor español Diego Velázquez. Es a partir de 1656, y se llama “Las Meninas”, y es la imagen de una pequeña princesa y sus damas de honor, y si miras a través de esa pequeña rubia princesa del hombro, verás un espejo y se refleja en son sus padres, el rey y la reina de España, que estaría parado en las que podría soportar ver la imagen. Como solía hacer, Velázquez se puso en esta pintura también. Él está de pie a la izquierda con su pincel en una mano y la paleta en la otra.

Richard Serra: Yo estaba allí de pie mirando, y me di cuenta de que Velázquez estaba mirando a mí, y pensé, “Oh, yo soy el sujeto de la pintura.”. Y yo pensé: “Yo no voy a ser capaz de hacer que la pintura”. Yo era el punto en el que yo estaba usando un cronómetro y pintar cuadros de aleatoriedad, y yo no estaba llegando a ningún lado. Así que me fui hacia atrás y dejó todas mis pinturas en el Arno, y pensé, voy a empezar simplemente jugando.

JB: Richard Serra dice que tan despreocupadamente, podría haber pasado por alto. Entró y vio esta pintura de un hombre que había estado muerto durante 300 años, y se dio cuenta: “Yo no puedo hacer eso”, y así Richard Serra regresó a su estudio en Florencia, recogió toda su obra hasta ese momento, y lo arrojó a un río. Richard Serra soltó la pintura en ese momento, pero él no la soltó de arte. Se trasladó a Nueva York, y formó una lista de verbos – a rodar, a arrugar, doblar a – más de un centenar de ellos, y como él dijo, él empezó a jugar. Él hizo esto para todo tipo de material. Tomaba una gigantesca capa de plomo y enrollarlo y desenrollarlo. Él haría lo mismo a la goma, y ​​cuando llegó a la dirección de “levantar”, creó que este, que está en el Museo de Arte Moderno. Richard Serra tuvo que dejar de lado la pintura con el fin de emprender esta exploración lúdica que lo llevó a la labor que se le conoce hoy en día: las curvas enormes de acero que requieren nuestro tiempo y movimiento a la experiencia. En la escultura, Richard Serra es capaz de hacer lo que no pudo hacer en la pintura. Él nos convierte en el objeto de su arte. Así que la experiencia y el reto y las limitaciones son todas las cosas que necesitamos para abrazar la creatividad florezca.

Hay un abrazo cuarto, y es el más difícil. Es el abrazo de la pérdida, la más antigua y constante la mayor parte de las experiencias humanas. Con el fin de crear, tenemos que estar en ese espacio entre lo que vemos en el mundo y lo que se espera, mirando de frente a rechazo, al desamor, a la guerra, a la muerte. Ese es un espacio difícil de soportar pulg El educador Parker Palmer llama “la brecha trágico” trágico no porque sea triste, sino porque es inevitable, y mi amigo Dick Nodel le gusta decir, “Usted puede mantener esa tensión como una cuerda de violín y hacer algo hermoso “.

Esa tensión resuena en la obra del fotógrafo Joel Meyerowitz, que al principio de su carrera fue conocido por su fotografía de la calle, para capturar un momento en la calle, y también por sus hermosas fotografías de paisajes – de Toscana, de Cape Cod , de la luz. Joel es un New Yorker, y su estudio durante muchos años estuvo en el Chelsea, con un centro de visión directo al World Trade Center, y fotografió los edificios en cada tipo de luz. ¿Sabes dónde va esta historia. El 9/11, Joel no estaba en Nueva York. Estaba fuera de la ciudad, pero él corrió de vuelta a la ciudad, y corrió hacia el lugar de la destrucción.

Joel Meyerowitz: Y como todos los transeúntes, me quedé fuera de la cerca de alambre de Chambers y Greenwich, y lo único que podía ver era el humo y un poco de escombros, y levanté mi cámara para echar un vistazo, sólo para ver si hay algo que ver, y un policía, una mujer policía, me golpeó en el hombro y le dijo: “Oye, no hay fotos!” Y fue un golpe que me despertó, en la forma en que estaba destinado a ser, supongo. Y cuando le pregunté que por qué no hay imágenes, dijo, “Es una escena del crimen. No hay fotografías permitido.” Y yo le pregunté: “¿Qué pasaría si yo fuera un miembro de la prensa?” Y ella me dijo: “Oh, mira de nuevo allí”, y de nuevo un bloque era el cuerpo de prensa recogido en un pequeño escrito-en la zona, y me dijo: “Bueno, ¿cuándo entrar?” y ella dijo: “Probablemente no”. Y como me alejé de eso, tuve esta cristalización, probablemente por el golpe, porque era un insulto en cierto modo. Yo pensé: “¡Oh, si no hay imágenes, entonces no habrá ningún registro. Necesitamos un récord”. Y yo pensé: “Voy a hacer ese registro. Voy a encontrar una manera de entrar, porque no me quieres ver esto la historia desaparecer”.

JB: El lo hizo. Sacó todos los favores que podía, y nos dieron un pase al sitio del World Trade Center, donde fotografió durante nueve meses, casi todos los días. Mirando estas fotografías hoy trae el olor a humo que quedó en mi ropa cuando me fui a casa con mi familia en la noche. Mi oficina estaba a pocas cuadras de distancia. Pero algunas de estas fotografías son hermosas, y nos preguntamos, era difícil para Joel Meyerowitz hacer tanta belleza de tal devastación?

JM: Bueno, ya sabes, feo, digo, poderoso y trágico y horrible y todo eso, pero también fue como, en la naturaleza, un acontecimiento enorme que se transformó después de los hechos en este residuo, y al igual que muchas otras ruinas – de ir a las ruinas del Coliseo o las ruinas de una catedral en algún lugar – y adquieren un nuevo significado cuando usted mira el tiempo. Quiero decir, hubo tardes que estuve allí, y se apaga la luz de color rosa y hay una niebla en el aire y que está de pie entre los escombros, y me encontré reconocer la belleza inherente de la naturaleza y el hecho de que la naturaleza, como tiempo, es borrar esta herida. El tiempo es imparable, y transforma el evento. Se vuelve más y más a partir del día y la luz y las estaciones atemperarla, de alguna manera, y no es que yo sea un romántico. Yo soy un realista. La realidad es que hay el Edificio Woolworth en un velo de humo desde el sitio, pero ahora es como un lienzo a través de un teatro, y se está convirtiendo de color rosa, ya sabes, y abajo hay mangueras de pulverización, y las luces se encienden durante Por la noche, el agua se está volviendo verde ácido debido a que las lámparas de sodio son, y yo pienso: “Dios mío, ¿quién podría soñar con esto?” Pero el hecho es que yo estoy ahí, parece que usted tiene que tomar una foto.

JB: Hay que tomar una foto. Ese sentido de urgencia, de la necesidad de ir a trabajar, es tan poderoso en la historia de Joel. Cuando vi a Joel Meyerowitz recientemente, le dije lo mucho que admiraba su obstinación apasionado, su determinación de llevar a cabo todos los trámites burocráticos para ir a trabajar, y él se echó a reír y dijo: “Yo soy terco, pero creo que lo que es más importante es mi optimismo apasionado “.

La primera vez que me contaba estas historias, un hombre del público levantó la mano y dijo: “Todos estos artistas hablan de su trabajo, no su arte, que me hizo pensar en mi trabajo y donde la creatividad está ahí, y yo ‘ No soy un artista “. Él tiene razón. Todos nosotros luchamos con, la experiencia y el reto límites y pérdidas. La creatividad es esencial para todos nosotros, ya seamos científicos o profesores, padres o empresarios.

Quiero salir con otra imagen de un tazón de té japonés. Éste se encuentra en la Galería Freer de Washington, DC Es más de un centenar de años y aún se pueden ver las marcas de los dedos del alfarero donde se pellizcó. Pero como usted puede ver, éste se rompió en algún momento de sus cien años. Pero la persona que lo puso de nuevo juntos, en lugar de ocultar las grietas, decidió poner de manifiesto con laca oro para repararlo. Este plato es más hermoso ahora, después de haber sido roto, de lo que era cuando se hizo por primera vez, y podemos ver esas grietas, porque contar la historia que vivimos, del ciclo de creación y destrucción, de control y dejar que vaya, de recoger los pedazos y hacer algo nuevo. Gracias. (Aplausos)

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